EDAD MEDIA
CÁNTIGAS DE SANTA MARÍA
El rey Alfonso X el Sabio reunió una colección de más de 400 canciones en honor de la Virgen María. Esta colección es conocida como Cantigas de Santa María. Aunque es dudoso que el propio rey escribiera todas las canciones, su influencia sobre la colección fue profunda.
Las Cantigas de Santa María son un conjunto de cuatrocientas veintisiete composiciones en galaico-portugués, la lengua fundamental de la lírica culta durante el siglo XIII en Castilla.
Las Cantigas de Santa María pueden dividirse en dos grupos:
El primero lo forman las cantigas de Nuestra Señora, en las que el tema está formado por alabanzas a la Virgen Santa María y es un verdadero compendio de historias, milagros, juegos, etc., relacionados con la Virgen.
El segundo, más reducido, son las cantigas de lor, poemas más serios, profundos, casi místicos, en los que en lugar de cantar los milagros de la Virgen se reflexiona sobre ella, como en una oración.
Según el tema a tratar existen cuatro tipos de cantigas:
-Las cantigas del amigo: cantan el amor de una doncella que quiere compartir la alegría o la tristeza de su vida con su amado
-Las de amor: son cantadas por un caballero enamorado
-Cantigas de escarnio o del mal decir: son cantigas de carácter satírico
-Las de inspiración religiosa: relativas a los milagros marianos.
La devoción a la Virgen María estaba en auge en ese siglo y frailes, clérigos y caballeros en general participaban de ella. El rey alentaba en sus cantigas a poetas y juglares para que dedicaran sus esfuerzos e inspiraciones a la Virgen
Las Cantigas, asimismo, pensadas como un conjunto de 100 composiciones, crecieron en diversas etapas hasta albergar el número de composiciones mencionado desde 1270 hasta 1282. Las formas métricas utilizadas son abundantes, destacando entre ellas el uso del villancico. Los cuatro manuscritos que han conservado la obra (entre los que destaca el códice rico) nos han transmitido la música de muchas de ellas. Igualmente, estos manuscritos nos han transmitido las miniaturas que acompañaban a estas composiciones líricas.
Mirado desde cierta perspectiva esta obra se asemeja bastante a un comic, podría incluso decirse que este fue el primer comic de toda la historia.
EL LIBRO DEL BUEN AMOR
Arcipreste de Hita
El Libro de Buen Amor abarca los intentos de seducción por parte del arcipreste, intentos que suelen acabar en fracaso. Así le ocurre inicialmente con una "dueña" y con una mujer llamada doña Cruz, que acaba entendiéndose con Ferrán García, el propio mensajero del arcipreste enamorado. Las primeras experiencias con varias damas resultan fatídicas, por lo cual tiene una discusión con el amor en la que nos informa sobre los peligros del loco amor, y acerca de las ventajas del buen amor. En esta obra Juan Ruiz se ofrece como protagonista de su obra narrándonos la obra en primera o tercera persona en la mayoría de los pasajes.
LAS TABLAS ALFONSINAS
En la cuarta aventura la ficción del yo se traslada a la figura de don Melón de la Huerta, quien requiere de amores y acaba casándose con Doña Endrina.
En la quinta aventura el arcipreste consigue seducir a una dama pero cuando estaba “a punto de caramelo” la dama muere y él se queda con las ganas.
En la sexta aventura entran la boba, la fea, la chata de Malangosto y la vaquera de Riofrío, (las cuatro serranas).
Mención especial merece la lucha entre Don Carnal y Doña Cuaresma, cada uno dirigiendo su propio ejército de animales en la que Don carnal sale vencedor.
A continuación se suceden otras aventuras amorosas, en las que desfilan diversas mujeres: una dueña, una viuda, una monja, una mora y, finalmente, las serranas. Al morir Trotaconventos su recadera.
Después del discurso sobre las armas que los cristianos han de usar para luchar contra los enemigos de la Fe. Viene la fallida, decimoquinta y última aventura a causa de la indiscreción del recadero.
Después del discurso sobre las armas que los cristianos han de usar para luchar contra los enemigos de la Fe. Viene la fallida, decimoquinta y última aventura a causa de la indiscreción del recadero.
LAS TABLAS ALFONSINAS
Las Tablas Alfonsíes es un libro medieval que contiene unas tablas astronómicas realizadas por iniciativa de Alfonso X el Sabio y que contienen las posiciones exactas de los cuerpos celestes en Toledo desde el 1 de Enero de 1252, año de la coronación del rey Alfonso, y que consignan el movimiento de los respectivos cuerpos celestes sobre la eclíptica. El objetivo de estas tablas era proporcionar un esquema de uso práctico para calcular la posición del Sol, la Luna y los planetas de acuerdo con el sistema de Ptolomeo. La teoría de referencia preveía movimientos según epiciclos y sus deferentes cuyos parámetros para cada cuerpo celeste eran las dimensiones relativas de los epiciclos, el periodo de revolución sobre un epiciclo, el del epiciclo sobre el deferente y así sucesivamente. Durante mucho tiempo fueron la base de todas las efemérides que se publicaron en España. Las observaciones originales provienen del astrónomo árab cordobés del siglo XI Al-Zarkali, y la revisión de la misma se fundó en las observaciones llevadas a cabo en Toledo por los científicos judíos alfonsíes Yehuda Ben Moshe e Isaac Ben Sid entre 1262 y 1272. La influencia de las Tablas abarcó a toda Europa a través de una revisión francesa de comienzos del siglo XIV, cuya utilización llegó incluso hasta el Renacimiento . De las Tablas Alfonsíes se han hecho varias ediciones, si bien la más apreciada es la que Paschasius Hamelius, profesor del Colegio Real en París, publicó en 1545 y 1553.
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Es precisamente esa discusión –por lo demás breve, muy, muy breve- la que constituye una auténtica novedad en la tradición literaria cristiana. Los Reyes, la Sagrada Familia y el Nacimiento con su Epifanía eran y, desde entonces, fueron tratados a diario en escritos y obras, pero no hay constancia de antecedentes de la introducción de dos personajes judíos discutiendo sobre la justicia y/o verdad de su propio rito
El Cancionero de Ajuda (Cancioneiro da Ajuda) es uno de los tres cancioneros conservados de la lírica galaicoportuguesa medieval. Toma su nombre de la ciudad portuguesa de Ajuda, cercana a Lisboa. Se conserva en la Biblioteca del Palacio Real de Ajuda. Es un pergamino manuscrito in folio, escrito por una sola persona con letra gótica y numerosas miniaturas. Quedó incompleto: aparecen los textos poéticos, pero no se acabaron las miniaturas ni se copió la música, que tiene un espacio reservado bajo los versos de la primera estrofa de cada cantiga. Su fecha más probable ronda el año 1280. Contiene únicamente cantigas de amor, un tipo de composición lírica de indudables orígenes provenzales.
Colocci y Brancuti
El Cancionero Colocci-Brancuti es uno de los tres cancioneros en que se han conservado las cantigas medievales gallegoportuguesas. Recibe este nombre por haber sido hallado en la biblioteca del conde Paolo Brancuti di Cagli, en Ancona (Italia), en 1878, y por el hecho conocido de haber sido propiedad del humanista A. Colocci, quien numeró los folios y escribió en él varias notas marginales. Es una copia de comienzos del siglo XVI, que contiene 1567 composiciones, distribuidas en 335 folios. De los tres cancioneros gallegoportugueses, es el que recoge un mayor número de cantigas. Están representados todos los géneros: las cantigas de amigo, las cantigas de amor, y las cantigas de escarnio y de maldecir.
Vaticano
Es uno de los tres cancioneros que recogen las cantigas de la poesía medieval gallegoportuguesa. Debe su nombre al hecho de haber sido descubierto en 1840 por Fernando Wolf en la Biblioteca Vaticana, en Roma. Es un códice de 210 hojas numeradas, que contiene un total de 1205 cantigas, atribuidas a un centenar de autores diferentes. En el manuscrito se evidencia la existencia de dos amanuenses: uno copió los poemas y otro añadió los nombres de los autores. Las cantigas pertenecen a los tres géneros principales de la lírica galaico-portuguesa: cantigas de amor, cantigas de amigo y cantigas de escarnio.
Elementos de la tradición literaria presentes en las coplas:
Tradición medieval entorno a la inquietud y los sentimientos contradictorios que suscitaba la muerte. El tema se había cultivado ya en la literatura de los siglos anteriores y es una de las grandes preocupaciones del siglo XV presente en el arte y la literatura.
- Elegía o planto(llanto) tratada por el arcipreste de hita(trotaconventos del libro de buen amor) y Santillana.
- Ubi sunt? Motivo recurrente en Europa. Empleada como uso lingüístico mediante el cual el poeta se pregunta que ha sido de aquellos que han gozado la vida en otro tiempo. Escasa vida terrenal coloca al hombre ante el instante decisivo de la muerte.
- Fortuna: juega veleidosamente con los destinos humanos y fama: entendida como una vida (vida de honor o otra larga vida más larga que la fama gloriosa) situada en la terrena 1º y la eterna 3. ésta 2ª vida es capaz de dignificar y hacer perdurable la vida terrena si esta se ha hecho merecedora por sus acciones de ser recordada.
Originalidad de las coplas:
Los motivos principales son los que preocupan a los hombres del siglo XV. La originalidad e Manrique estriba en haber sabido tratarlos desde la sinceridad de su vivencia personal con un enfoque y un lenguaje de gran modernidad. La muerte de su padre vivida tan cerca le hace hablar emocionadamente como si descubriese su trascendencia y reflexionara desde un dolor contenido.
• Temas:
Tiempo, fortuna, el mundo, el poder igualatorio de la muerte, sentimiento cristiano, lo que se pierde cuando se llega a la vejez y a la muerte, la vida breve (terrenal) y la vida que no se acaba (eterna).
Este libro se divide en tres partes:
-La primera parte trata sobre temas generales, habla de lo rápido que se pasa la vida, del tempus fugit, del sentimiento cristiano del poeta y hace metáforas sobre la vida y la muerte.
-La segunda parte trata del poder igualatorio de la muerte que es el tema más habitual, también habla del ubi sunt, tema esencial de esta segunda parte.
-La tercera parte describe a Rodrigo Manrique, padre de Jorge Manrique, describe sus hazañas, sus virtudes y las compara con emperadores romanos.
Al final describe cómo la muerte llama a Rodrigo Manrique y él acepta sin temor.
El poeta intenta iluminar su alma angustiada, por la muerte de su padre, con la fe y con su sentimiento cristiano, llevándola a la aceptación de su dolor. El poeta contempla la vida como si cada instante de vida fuese el instante de la muerte.
MILAGROS DE NUESTRA SEÑORA
Gonzalo de Berceo es el primer poeta (de nombre conocido) en lengua castellana y Milagros de nuestra señora su obra más conocida. Este autor recogió en Milagros de Nuestra Señora una de las tradiciones más vigorosas y populares del siglo XIII: las leyendas marianas. Este monje de Silos escogió veintiocho historias sobre la Virgen, las puso en verso y las acompañó de un prólogo de contenido simbólico. Gracias a su sencillez y a su frescura, estos relatos piadosos, nacidos en su día con el propósito de conmover los fieles y despertar su devoción, mantienen todavía su ingenuo encanto y perviven con inusitada fuerza.AUTO DE LOS REYES MAGOS
Anónimo
Tenemos cinco breves escenas. En la primera los tres Reyes observan la estrella y discuten sobre su significado. Baltasar decide profundizar a conciencia:
En la segunda los Magos deciden seguir la estrella y qué regalos llevar (detalle importante éste, que luego analizaremos). Como dice Gaspar:
En la escena tercera los Reyes Magos se llegan hasta Herodes, le cuentan su pretensión, su creencia en que ha nacido un nuevo Rey y que la estrella les guía hacia Él. Herodes ve su gozo en un pozo pero, malvado, disimula…
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En la cuarta parte Herodes pide inquieto a su mayordomo que venga todo su séquito de sabios y todo aquel que le pueda arrojar luz sobre lo que cree que es una amenaza para su trono.
En la quinta y última sección los “sabios” dan las razones que pueden a Herodes y dos rabíes se enfrentan sobre el significado e incluso la existencia de las escrituras que profetizaban la venida del Salvador.
Hechos y misterios
Es precisamente esa discusión –por lo demás breve, muy, muy breve- la que constituye una auténtica novedad en la tradición literaria cristiana. Los Reyes, la Sagrada Familia y el Nacimiento con su Epifanía eran y, desde entonces, fueron tratados a diario en escritos y obras, pero no hay constancia de antecedentes de la introducción de dos personajes judíos discutiendo sobre la justicia y/o verdad de su propio rito
CANCIONEROS
AjudaEl Cancionero de Ajuda (Cancioneiro da Ajuda) es uno de los tres cancioneros conservados de la lírica galaicoportuguesa medieval. Toma su nombre de la ciudad portuguesa de Ajuda, cercana a Lisboa. Se conserva en la Biblioteca del Palacio Real de Ajuda. Es un pergamino manuscrito in folio, escrito por una sola persona con letra gótica y numerosas miniaturas. Quedó incompleto: aparecen los textos poéticos, pero no se acabaron las miniaturas ni se copió la música, que tiene un espacio reservado bajo los versos de la primera estrofa de cada cantiga. Su fecha más probable ronda el año 1280. Contiene únicamente cantigas de amor, un tipo de composición lírica de indudables orígenes provenzales.
Colocci y Brancuti
El Cancionero Colocci-Brancuti es uno de los tres cancioneros en que se han conservado las cantigas medievales gallegoportuguesas. Recibe este nombre por haber sido hallado en la biblioteca del conde Paolo Brancuti di Cagli, en Ancona (Italia), en 1878, y por el hecho conocido de haber sido propiedad del humanista A. Colocci, quien numeró los folios y escribió en él varias notas marginales. Es una copia de comienzos del siglo XVI, que contiene 1567 composiciones, distribuidas en 335 folios. De los tres cancioneros gallegoportugueses, es el que recoge un mayor número de cantigas. Están representados todos los géneros: las cantigas de amigo, las cantigas de amor, y las cantigas de escarnio y de maldecir.
Vaticano
Es uno de los tres cancioneros que recogen las cantigas de la poesía medieval gallegoportuguesa. Debe su nombre al hecho de haber sido descubierto en 1840 por Fernando Wolf en la Biblioteca Vaticana, en Roma. Es un códice de 210 hojas numeradas, que contiene un total de 1205 cantigas, atribuidas a un centenar de autores diferentes. En el manuscrito se evidencia la existencia de dos amanuenses: uno copió los poemas y otro añadió los nombres de los autores. Las cantigas pertenecen a los tres géneros principales de la lírica galaico-portuguesa: cantigas de amor, cantigas de amigo y cantigas de escarnio.
PRE-RENACIMIENTO
COPLAS A LA MUERTE DE MI PADRE
Rodrigo padre de Jorge Manrique en 1476 le inspira la famosa elegía q surge para lamentar su pérdida que se convierte en un tratado filosofía cristiana sobre la fugacidad de la vida y la trascendencia de la muerte. Las coplas son poesía moral, que invita a la reflexión sobre la levedad e inconsistencia de las cosas terrenas(vanitas vanitatis), también clasificadas como sermón funerario, reclama desde el principio la reflexión de quienes le escuchan para que se sitúen en un plano de trascendencia y que mediten sobre el valor de la vida y de la muerte.Elementos de la tradición literaria presentes en las coplas:
Tradición medieval entorno a la inquietud y los sentimientos contradictorios que suscitaba la muerte. El tema se había cultivado ya en la literatura de los siglos anteriores y es una de las grandes preocupaciones del siglo XV presente en el arte y la literatura.
- Elegía o planto(llanto) tratada por el arcipreste de hita(trotaconventos del libro de buen amor) y Santillana.
- Ubi sunt? Motivo recurrente en Europa. Empleada como uso lingüístico mediante el cual el poeta se pregunta que ha sido de aquellos que han gozado la vida en otro tiempo. Escasa vida terrenal coloca al hombre ante el instante decisivo de la muerte.
- Fortuna: juega veleidosamente con los destinos humanos y fama: entendida como una vida (vida de honor o otra larga vida más larga que la fama gloriosa) situada en la terrena 1º y la eterna 3. ésta 2ª vida es capaz de dignificar y hacer perdurable la vida terrena si esta se ha hecho merecedora por sus acciones de ser recordada.
Originalidad de las coplas:
Los motivos principales son los que preocupan a los hombres del siglo XV. La originalidad e Manrique estriba en haber sabido tratarlos desde la sinceridad de su vivencia personal con un enfoque y un lenguaje de gran modernidad. La muerte de su padre vivida tan cerca le hace hablar emocionadamente como si descubriese su trascendencia y reflexionara desde un dolor contenido.
• Temas:
Tiempo, fortuna, el mundo, el poder igualatorio de la muerte, sentimiento cristiano, lo que se pierde cuando se llega a la vejez y a la muerte, la vida breve (terrenal) y la vida que no se acaba (eterna).
Este libro se divide en tres partes:
-La primera parte trata sobre temas generales, habla de lo rápido que se pasa la vida, del tempus fugit, del sentimiento cristiano del poeta y hace metáforas sobre la vida y la muerte.
-La segunda parte trata del poder igualatorio de la muerte que es el tema más habitual, también habla del ubi sunt, tema esencial de esta segunda parte.
-La tercera parte describe a Rodrigo Manrique, padre de Jorge Manrique, describe sus hazañas, sus virtudes y las compara con emperadores romanos.
Al final describe cómo la muerte llama a Rodrigo Manrique y él acepta sin temor.
El poeta intenta iluminar su alma angustiada, por la muerte de su padre, con la fe y con su sentimiento cristiano, llevándola a la aceptación de su dolor. El poeta contempla la vida como si cada instante de vida fuese el instante de la muerte.
DIÁLOGO ENTRE EL AMOR Y UN VIEJO
Esta obra le ha hecho a Rodrigo Cota merecedor de entrar en la historia de la literatura española en un periodo tan prolífico como es el de los Siglos de Oro. El Diálogo consta de setenta estrofas de nueve versos, divididas en dos partes. En la primera parte, un viejo que se ha retirado para vivir en soledad dialoga con Amor hasta ser convencido por éste; mientras que en la segunda parte el Amor se burla del viejo y de su ruina física.LAS SERRANILLAS
Lo mejor de la obra de El Marqués de Santillana fueron Las Serranillas, escritas en su juventud, y que conservan una gracias y frescura deliciosas que las han hecho inmortales. Las Serranillas son breves poesías de fuerte sabor popular. Fueron escritas bajo la impresión que le causaban las bellas “serranas” y “vaqueiras” del Guadarrama. Santillana ve a las mozas bajar por los caminos de la sierra o las ve ordeñando vacas junto a las cercas, las requiere de amor y ellas lo rechazan con ingeniosas y traviesas frases. Este el tema frecuente de las Serranillas (son diez en total). Luego el poeta las ve idealizadas en el recuerdo y las evoca con la finura y el encanto propios de los poetas cortesanos de su época. De esas serranillas las más difundidas son la de FINOJOSA, la de LOZOYUELA y la de MENGA DE MANZANARES.ÉGLOGAS
JUAN DE ENCINA
RENACIMIENTO
PASOS (LAS ACEITUNAS)
Los Pasos de Lope de Rueda, se publicaron en Valencia en dos volúmenes: El deleitoso y Registro de representantes. Posiblemente el autor concebía la trama central como un armazón en el que introducir sus episodios cómicos, debían ser el fuerte de la representación, lo cual explicaría que las estructuras argumentales de las comedias sean "torpes y deslavazadas". La fama del escritor sevillano quedó, sin embargo, constatada por algunos literatos de épocas posteriores, como Cervantes. Citamos por la edición de (2001):"Las comedias eran unos coloquios, como églogas, entre dos o tres pastores y alguna pastora; las aderezaban y las dilataban con dos o tres entremeses, ya de negra, ya de rufián, ya de bobo y ya de vizcaíno: que todas estas cuatro figuras y otras muchas hacía el tal Lope con la mayor excelencia y propiedad que pudiera imaginarse".
Las aceitunas se puede trasladar a la época cotidiana o mejor dicho, a una de las problemáticas más grandes que tenemos casi todos los seres humanos, el buscarnos problemas, preocuparnos y tomar decisiones antes de tiempo. Cargada de humor, la obra nos presenta a Toruvio, un padre de familia que acaba de plantar un renuevo de olivo. Una vez que llega a su casa le da aviso de ello a su esposa Agueda y es en este preciso instante que se lía absolutamente todo. Entre los dos comienzan a calcular las aceitunas que tendrán, como así el precio de las mismas y con esta conversación comienzan a discutir precisamente por el costo al que las venderán.
En medio encontramos a su hija Mencigüela, quien trata de complacerles pero sin ningún éxito, por el contrario recibe golpes de ambos cada vez que procura decir algo pues jamás conforma a nadie. Finalmente entra en escena Aloja, el vecino que escucha la discusión e intentará apaciguar las aguas entre los esposos, no sin reírse de la situación que se ha provocado.
Este paso de Las aceitunas se puede tomar como una “metáfora” de nuestra vida en muchas ocasiones y una vez es leída se comprende el porqué de ello.
NOVELAS EJEMPLARES
Las Novelas ejemplares son una serie de novelas cortas que Miguel de Cervantes escribió entre 1590 y 1612, y que publicaría en 1613 en una colección editada en Madrid por Juan de la Cuesta, dada la gran acogida que obtuvo con la primera parte del Quijote. En un principio recibieron el nombre de Novelas ejemplares de honestísimo entretenimiento.Se trata de doce novelas cortas que siguen el modelo establecido en Italia. Su denominación de ejemplares obedece a que son el primer ejemplo en castellano de este tipo de novelas y al carácter didáctico y moral que incluyen en alguna medida los relatos. Cervantes se jactaba en el prólogo de haber sido el primero en escribir, en castellano, novelas originales al estilo italiano:
"A esto se aplicó mi ingenio, por aquí me lleva mi inclinación, y más que me doy a entender, y es así, que yo soy el primero que he novelado en lengua castellana, que las muchas novelas que en ella andan impresas, todas son traducidas de lenguas extranjeras, y éstas son mías propias, no imitadas ni hurtadas; mi ingenio las engendró, y las parió mi pluma, y van creciendo en los brazos de la imprenta."
Se suelen agrupar en dos series: las de carácter idealista y las de carácter realista. Las de carácter idealista, que son las más próximas a la influencia italiana, se caracterizan por tratar argumentos de enredos amorosos con gran abundancia de acontecimientos, por la presencia de personajes idealizados y sin evolución psicológica y por el escaso reflejo de la realidad. Las de carácter realista atienden más a la descripción de ambientes y personajes realistas, con intención crítica muchas veces.
Novelas contenidas en la obra:
La gitanilla, El amante liberal, Rinconete y Cortadillo, La española inglesa, El licenciado Vidriera, La fuerza de la sangre, El celoso extremeño, La ilustre fregona, Las dos doncellas, La señora Cornelia, El casamiento engañoso, El coloquio de los perros.
En El licenciado Vidriera el estudiante pobre Tomás Rodaja marcha a Salamanca a estudiar acompañando a un noble y allí se licencia con honores; viaja por diversas ciudades de Italia, pero pierde la razón a causa de un filtro de amor que le han suministrado en secreto y cree tener el cuerpo de vidrio y ser sumamente frágil. Sin embargo, su agudeza es sorprendente y todos le consultan. La novela es en realidad una colección de las agudezas en prosa del protagonista, al estilo de una de las misceláneas tan frecuentes en el Siglo de Oro. Finalmente recobra el juicio, pero ya nadie le contrata ni va a verle.
El celoso extremeño narra los celos patológicos de un viejo indiano que vuelve a España enriquecido y encierra a su jovencísima esposa en una casa herméticamente, sin permitirle que salga ni que nada masculino pase la puerta, en la cual ha instalado como vigilante a un esclavo negro con orden de no dejar pasar a nadie. El seductor Loaysa lo logra engatusando al negro, al que le encanta la música, con una vihuela, y se acuesta con la moza. Sin embargo, no hacen nada, aunque en el manuscrito de Porras de la Cámara sí se consuman los cuernos. El viejo, humillado, se muere de pena.
LAS MORADAS O CASTILLO INTERIOR
El castillo interior o Las moradas es una obra mística en prosa de Santa Teresa de Jesús, escrita en 1577, en el convento de San José, en Ávila.Las Moradas ofrece al lector un compendio de las vivencias místicas de su autora; la dificultad de transcribir este tipo de experiencias sublimes la obligó a recurrir a un lenguaje plagado de símbolos. Se trata, no obstante, de un texto de expresión sencilla y popular, con vocación didáctica.
Como ente de naturaleza divina, el castillo -representación del alma- es "todo de diamante o muy claro cristal", pero puede estar tapado por un paño oscuro, el pecado, que oculta la transparencia de la luz divina; así pues, antes de penetrar en sus moradas interiores debe hallarse el sujeto en estado de gracia. Esta fortaleza del alma tiene una sola puerta, la oración. Del mismo modo que Pseudo Dionisio (siguiendo la cosmología clásica de Aristóteles y Ptolomeo -sistema ptolemaico-) dividía el universo en esferas concéntricas que ganaban perfección en orden ascendente, así describe Santa Teresa las moradas (estancias) del castillo, que no son sino las fases o estadios que el alma debe recorrer para alcanzar la perfección: primero han de atravesarse las moradas exteriores, que exigen una cadena de renuncias; luego se penetra en las estancias interiores, donde cabe acceder al gozo espiritual. Durante este proceso, Dios no sólo es el objetivo que se persigue, sino también la fuerza que infunde valor y poder al espíritu, pues no son baladíes las pruebas que éste debe afrontar en su camino de perfección. Las dos primeras moradas corresponden al ejercicio ascético, cuya misión estriba en la purificación de los vicios que acechan al espíritu. Después se penetra en los dominios de la oración, que tiene dos grados: el recogimiento y la contemplación. Como "celestial locura" y "glorioso desatino" califica la santa de Ávila la quinta morada, donde aguarda la oración de unión: la conciencia de vecindad con Dios crea un delirio gozoso que culmina en las moradas sexta (éxtasis o noviazgo espiritual) y séptima (boda espiritual). De este modo, el alma reencuentra su origen y se funde con su creador en una felicidad inefable, que no halla parangón -ni siquiera lejano referente- en ninguna satisfacción mundana.
ÉGLOGAS
A pesar de su enorme importancia, la obra poética de Garcilaso De la Vega es de reducida extensión. Consta de tres églogas, dos elegías, una epístola, cinco canciones, treinta y ocho sonetos y unas pocas composiciones breves a la manera tradicional. Escribió también tres odas en latín. Las tres églogas representan lo más perfecto de la poesía de Garcilaso. Las tres fueron compuestas durante una estancia del poeta en Nápoles. La égloga I, sin embargo, fue escrita en segundo lugar. Aquí intervienen dos pastores: Salicio, quien lamenta los desdenes de Galatea; y Nemoroso, quien llora la muerte de Elisa. El poeta se desdobla en dos personajes: en el primero, encarna el despecho del enamorado que asedia a su amada infructuosamente; en el segundo, se resume la honda ternura producida por su pérdida ya definitiva. Mediante un proceso de idealización, el poeta ha transformado la realidad, tal como tuvo lugar, en una creación de arte que eterniza los sucesos y los salva de su destrucción. El sentimiento se va purificando y espiritualizando progresivamente hasta culminar en la melancólica esperanza con que sueña Nemoroso el amor entre los bienaventurados. O sea, el poeta afirma su fe en una última realidad ideal, en un cielo poético por donde ella camina y en el que él espera acompañarla en un día sin fin, a su lado, salvada para siempre de todo lo caduco. La égloga primera, según Rafael Lapesa, marca la más alta cima de la poesía garcilasiana. Ninguna ha llegado a tan estrecha unión del sentimiento y la forma. Los versos fluyen sueltos, límpidos. Al terminar la égloga, creemos volver, como los pastores, de un sueño en que la belleza y el dolor se hubieran eternizado. La égloga II consta de dos partes: en la primera, el pastor Albanio refiere sus amores por Camila; y en la segunda, Nemoroso hace una apología, bajo forma alegórica, de la casa de Alba. Según Menéndez y Pelayo, Keniston, y Navarro-Tomas, Albanio representaría al duque de Alba y la égloga referiría sus amores con su esposa, doña María Enríquez. Lapesa rechaza esta hipótesis tradicional y duda a la vez que Albanio pueda identificarse con el poeta (desdoblado). Aquí, según él, Albanio encarnaría la pasión despesperada y Nemoroso la libertad conseguida tras dura lucha. Queda la posibilidad de que Albanio sea el hermano menor del duque, don Bernardino de Toledo, muerto prematuramente, y que la obra, fundiendo lo pastoral y lo heroico, esté protagonizada por los dos varones de la casa de Alba: el duque, cantado como guerrero victorioso, y el joven, compadecido en sus desventuras de amor.
La égloga III fue posiblemente la última composición escrita del poeta. Describe un paisaje del Tajo, bellamente idealizado, al que acuden diversas ninfas que tejen en ricas telas algunas escenas mitológicas. La égloga termina con un diálogo de los pastores Tirreno y Alcino, que cantan la belleza de Flerida y de Filis, a las que aman respectivamente. Lapesa ha dicho que Garcilaso ha aprendido a refugiarse en el arte y que la égloga III es un camino para escapar de la realidad. El sentimiento personal no posee ya la intensidad de la égloga I. La emoción se expresa en forma más convencional y en los versos de los pastores no hay recuerdos doloridos sino exclusivo deleite artístico.
LA ARAUCANA
Los lectores más memoriosos que sientan atracción por los acontecimientos históricos recordarán que, durante cientos de años, los españoles y el pueblo mapuche mantuvieron un extenso conflicto conocido como Guerra de Arauco que, aunque con distinta intensidad, duró cerca de tres siglos. Sus consecuencias, como sabrán o podrán advertir, fueron varias, pero, en esta ocasión, sólo vamos a centrarnos en el efecto que esta situación generó en el poeta español Alonso de Ercilla. Según confesó en una oportunidad el propio escritor, quien estuvo involucrado en el mencionado conflicto por haber participado en las batallas de Lagunillas, Quiapo y Millarapue, su interés por el mundo de las letras lo llevó a construir un poema épico con el fin de relatar la primera etapa de la guerra. En su contenido, algunas personas aseguran encontrar una especie de reivindicación de la figura del indígena, aunque otros creen que este recurso es una estrategia indirecta para enfatizar la actuación española. Por supuesto, también existen posturas que sostienen que Ercilla escribió el poema para destacar su propia actuación.
El texto original, de acuerdo a los datos históricos que han trascendido a través de los años, fue escrito en Chile sobre cortezas de árboles y otros elementos rústicos. Una vez que Ercilla regresó a su país natal, la obra, bautizada como “La Araucana”, fue publicada en Madrid a lo largo de dos décadas. La primera parte se dio a conocer en 1569, la siguiente en 1578 y, para 1589, el poema ya estaba completo.
Aunque posee ciertos rasgos de fantasía, “La Araucana” ofrece un relato basado en diversos episodios históricos marcados por la violencia, la valentía y la muerte (entre ellas la del cacique mapuche Caupolicán, el sucesor de Lautaro, quien había luchado desde joven para defender a su territorio de los conquistadores españoles), razón por la cual esta obra está considerada como uno de los escritos testimoniales más destacados de la época de la conquista.
BARROCO
LOS SUEÑOS
Francisco de Quevedo compone cinco partes de los Sueños entre 1606 y 1621: Sueño del juicio final (1606), El alguacil endemoniado (1607), Sueño del infierno (1609), El mundo por de dentro (1612) y Sueño de la muerte (1621). Más tarde se publica la obra en conjunto por primera vez en 1627.Dicha obra representa primordialmente elaboraciones de viajes sómnicos al infierno, donde se encuentra y conversa con un gran número de pecadores. Parece una colección de diversos sucesos y tramas que obstaculizan la unidad temática. No obstante, al cotejar los repetidos modelos de pecadores, uno puede darse cuenta de que ellos pertenecen a determinados grupos sociales cuyas profesiones o labores están asociadas al grado de intensidad de su hipocresía, abuso, vicio y engaño. Las redundadas referencias se dirigen a los alguaciles, jueces, procuradores, escribanos, mercaderes, sastres, taberneros, y, en particular, a las mujeres —entre ellas, dueñas, prostitutas, alcahuetas, las viejas, las feas y las hermosas. “Los sueños” cinco relatos (1607-1624) en los que da rienda suelta a su imaginación, con la excusa de estar soñando, sin explicación lógica alguna. El tema es el mundo de ultratumba y los tipos humanos que desfilan son caricaturas de los diferentes oficios y grupos sociales.“HISTORIA DE LA VIDA DEL BUSCÓN, LLAMADO DON PABLOS, EJEMPLO DE VAGAMUNDOS Y ESPEJO DE TACAÑOS”
Impulsado por las características del estilo barroco, Quevedo construyó este relato en base a una visión exagerada: reemplazó las descripciones realistas por detalles grotescos, potenció la ironía y logró, por medio de la sátira, ofrecer una caricatura casi sangrienta donde hay lugar para las bromas macabras, las impertinencias y las frases con doble sentido.“Historia de la vida del Buscón, llamado Don Pablos, ejemplo de vagamundos y espejo de tacaños” se divide en tres libros. En el primero, los lectores pueden encontrar datos biográficos sobre Pablos, el protagonista, y, de esta forma, enterarse que este personaje es de origen segoviano y descendiente de un matrimonio compuesto por un barbero ladrón y una mujer relacionada a las brujerías. Ya en el segundo, la trama deja al descubierto algunas vivencias de este aventurero para, un libro más adelante, narrar el fin de esta historia que, más allá de abordar ciertas cuestiones que podrían ser condenables desde el punto de vista de la ética, pretende divertir a todo aquel que tenga oportunidad y/o ganas de leer este antiguo libro. Trata a sus personajes con frialdad, sin compasión ni simpatía. Los describe con los trazos más negros, exagerando sus deformidades físicas y morales. Acaban siendo puras caricaturas. Demuestra un alto dominio del lenguaje, no sólo por lo ilimitado de su vocabulario, sino también por su habilidad para jugar con él, forzando dobles significados, retorciéndolo. Utiliza un brillante estilo conceptista, impropio del personaje que se supone que está narrando sus aventuras y desventuras en primera persona. En su obra abundan los chistes macabros, las groserías, los juegos de palabras y dobles sentidos.
LAS SOLEDADES
Las Soledades, de Luis de Góngora, iba a ser un poema en silvas, dividido en cuatro partes, correspondientes cada una alegóricamente a una edad de la vida humana y a una estación del año, y serían llamadas Soledad de los campos, Soledad de las riberas, Soledad de las selvas y Soledad del yermo. Pero Góngora sólo compuso la dedicatoria al Duque de Béjar y las dos primeras, y dejó inconclusa la segunda, de la cual los últimos 43 versos fueron añadidos bastante tiempo después. La estrofa no era nueva, pero sí era la primera vez que se aplicaba a un poema tan extenso. Su forma, de carácter aestrófico, era la que daba más libertad al poeta, que de esa manera se acercaba cada vez más al verso libre y hacía progresar la lengua poética hasta extremos que sólo alcanzarían los poetas del Parnasianismo y el Simbolismo francés en el siglo XIX.El argumento de la Soledad primera es bastante poco convencional, aunque se inspira en un episodio de la Odisea, el de Nausícaa: un náufrago joven llega a una costa y es recogido por unos cabreros. Pero este argumento es sólo un pretexto para un auténtico frenesí descriptivo: el valor del poema es lírico más que narrativo, como señaló Dámaso Alonso, aunque estudios más recientes reivindican su relevancia narrativa. Góngora ofrece una naturaleza arcádica, donde todo es maravilloso y donde el hombre puede ser feliz, depurando estéticamente su visión, que sin embargo es rigurosamente materialista y epicúrea (intenta impresionar los sentidos del cuerpo, no sólo el espíritu), para hacer desaparecer todo lo feo y desagradable. De esa manera, mediante la elusión, una perífrasis hace desaparecer una palabra fea y desagradable (la cecina se transforma en «purpúreos hilos de grana fina» y los manteles en «nieve hilada», por ejemplo).
Las Soledades causaron un gran escándalo por su atrevimiento estético y su oscuridad hiperculta; las atacaron Francisco de Quevedo, Lope de Vega, el conde de Salinas y Juan de Jáuregui (quien compuso un ponderado Antídoto contra las Soledades y un Ejemplar poético contra ellas, pero sin embargo acabó profesando la misma o muy semejante doctrina), entre otros muchos ingenios, pero también contó con grandes defensores y seguidores, como sor Juana Inés de la Cruz. Con las Soledades, la lírica castellana se enriqueció con nuevos vocablos y nuevos y poderosos instrumentos expresivos, dejando la sintaxis más suelta y libre que hasta entonces.
FÁBULA DE POLIFEMO Y GALATEA
La «Fábula de Polifemo y Galatea» (1612) se cuenta entre los poemas mayores de Luis de Góngora. Su tema son los amores de Acis y Galatea y la venganza del cíclope Polifemo, desarrollados en sesenta y tres octavas reales. Toda la riqueza del máximo poeta de la lengua castellana resplandece en esta obra, desde el juego de metáforas a la utilización de los recursos fónicos: infame turba de nocturnas aves. El análisis de Alexander Parker se realiza a la luz de la doctrina conceptista de la «Agudeza y arte de ingenio» de Baltasar Gracián, en una demostración más de cómo culteranismo y conceptismo no fueron sino facetas distintas de una misma realidad. La presente edición se completa con el texto de Ovidio que sirvió de fuente principal para la «Fábula».EL PERRO DEL HORTELANO
Lope de Vega era un autor teatral de éxito, consciente de su papel de creador de la comedia nacional —corno manifiesta en el Arte nuevo de hacer Comedias—, cuando compuso El perro del hortelano en la que sorprenden y deleitan aún hoy el dinamismo de la acción, la adecuación del verso a la situación comunicativa. El retrato de una sociedad aristocrática aferrada al viejo código del honor. Diana, Condesa de Beiflor, es como la diosa del mismo nombre, dueña del destino de sus súbditos: mas, por su condición social, no le es permitido amar a su secretario, el plebeyo Teodoro. El amor triunfará gracias a la farsa que crea el ingenio de Tristón, uno de los graciosos más logrados de Lope. El teatro de Lope de Vega se caracteriza porque:*Mezcla lo trágico y lo cómico. En momentos de tensión hay momentos de risa y relaja.
*Se mantiene la unidad de acción, pero no las de tiempo y lugar.
*Se divide en 3 actos: Planteamiento, nudo y desenlace.
*La comedia está escrita en verso. El octosílabo
*El lenguaje debe atenerse a las reglas del decoro, de modo que cada personaje se exprese como le corresponde según su estado.
*EL final es generalmente feliz, menos en las piezas trágicas.
*Los personajes. Las figuras claves son el galán y la dama. El galán es un caballero apuesto, de buena familia, cuyas únicas preocupaciones son el amor, los celos y el honor. La fama, igualmente bella y aristocrática, vive para lograr su amor. En el siglo de ORO predominan las mujeres decididas.
*Aparece una de las figuras clave del teatro español: El gracioso, personaje simpático y enredador.
LA DAMA BOBA
Si la fuerza del amor constituye uno de los ejes centrales en la vida de Lope de Vega, también en su teatro ese sentimiento es tema fundamental, como se advierte en La dama boba, una de sus obras maestras, escrita en 1613. Como lo ha señalado repetidamente la crítica, esta comedia trata acerca de la fuerza transformadora que tiene el amor en la vida humana. Esto se inscribe en la visión neoplatónica que concibe al amor como el principio que anima el universo entero y establece un vínculo que crea la armonía entre todas las cosas. Se pone en escena el poder que tiene tal sentimiento para cambiar al ser humano y ayudarlo a mejorar. Paralelamente, al tiempo que el amor eleva el espíritu y lleva a la contemplación de la belleza divina a partir de la belleza humana, la sensualidad se manifiesta.Está ambientada en la España del siglo XVI donde dos hermanas, Finea y Nise, son víctimas del machismo imperante en el reino. Para ello una decide escribir para expresar su odio y la otra se hace la tonta... Un amor en común les hará enfrentarse entre ellas... Sin embargo, es uno de los temas secundarios de la obra el que despierta mayor interés entre el público de hoy día: el lugar que ocupa la mujer en una sociedad que la sitúa a la sombra del padre o del marido. Y es en relación a este tema donde comprobamos la modernidad del autor, al presentar a los personajes femeninos como dos mujeres que acabarán utilizando su intelecto para conseguir sus objetivos amorosos. Las dos protagonistas de la obra, Finea y su hermana Nise, representan la dificultad de la mujer para ser reconocida y reconocerse en su condición de ser humano. Sin embargo, ambas son capaces de tomar decisiones y urdir estrategias para conseguir sus objetivos. Lo importante es que ambas eligen el camino de su felicidad desde su libertad y consciencia” (aunque Finea se case con un cínico al que lo único que le importa es su inmensa dote y Nise, una vez perdida toda esperanza de recuperar a su amado, se empareje con el primer pretendiente que se ofrece). Pero no debemos quedarnos sólo con el proceso de madurez intelectual de Finea, la dama boba, pues la otra hermana experimenta un proceso similar pero en otro sentido, en el sentimental, representando ambas, en un principio, dos polos opuestos y que en el transcurso de la obra se irán equilibrando, llegando al estado de gracia en que se compensan sus perfiles intelectuales y sentimentales. Como ya se ha dicho, la obra trasluce la modernidad de Lope de Vega en varios aspectos. En primer lugar, el autor no considera el amor como una experiencia únicamente espiritual, sino que también comprende el amor sensual. También considera la presencia de los celos como indisoluble de la pasión amorosa, situación muy bien reflejada en un monólogo de Finea.
VERGONZOSO EN PALACIO
Vergonzoso en palacio de Tirso de Molina pertenece al subgénero de la comedia palatina del teatro barroco español. Actualmente la gente discute sobre el momento en que fue compuesta, algunos críticos, como Everett Hesse creen que fue escrita en 1606, otros, como Blanca de los Rios, dicen que entre 1611 y 1612. Dos de sus características principales son la lejanía temporal, ya que la acción se sitúa sobre 1400, y la lejanía geográfica. En el vergonzoso de palacio se desarrolla uno de los temas favoritos de estas comedias, el del plebeyo que quiere un ascenso social y al final descubre que tiene origen noble.Otros críticos como Ángel Valbuena Prat o Juan Luis Alborg, calificaron la obra como comedia de carácter, basándose en la supuesta profundidad de la caracterización psicológica de los personajes protagonistas, según estos críticos este es uno de los rasgos más característicos del autor.
La obra consta de 3 actos, trata de un joven portugués que se escapa de la casa de su padre porque siente la ambición de ascender socialmente, convencido de que su humilde origen no se corresponde con su altos pensamientos y al final acaba en el palacio del Duque de Avero, allí se enamora de una de sus hijas, Magdalena y Antonio, el Conde de Penela se enamora de la otra hija, Serafina. Al final estas dos parejas se casan tras unos líos amorosos.
LA DAMA DUENDE
A lo largo de su trayectoria, el dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca creó una gran cantidad de obras dignas de destacar.En esta comedia “de capa y espada” elaborada en 1629, la protagonista es Doña Ángela, una joven viuda que desea conquistar a Don Manuel, el íntimo amigo de uno de sus hermanos. Pero, para cumplir su objetivo, la mujer primero deberá librarse de la vigilancia de sus celosos y posesivos hermanos, con quienes comparte el hogar. Ansiosa por tener libertad y acercarse al hombre que le robó el corazón, Ángela pone en marcha un ingenioso plan a través del cual logra, mediante una curiosa alacena, que su habitación quede comunicada con el cuarto donde se aloja Manuel. A partir de entonces, la enamorada, ayudada por su criada Isabel, comenzará a vincularse de forma misteriosa y mágica con el recién llegado, quien, al igual que su asistente Cosme, no dejará de sorprenderse ante las actitudes de esta dama protegida por sus hermanos.
En esta obra, la acción se desarrolla en un ambiente urbano y cautiva al público con ciertas escenas cómicas y enredos pero también con referencias que buscan despertar en el lector (o espectador, según el caso) reflexiones sobre el amor, los celos, las luchas de las mujeres para hacer valer sus derechos y el honor masculino.
CASA CON DOS PUERTAS, MALA ES DE GUARDAR
Nos encontramos ante una de las más divertidas comedias de Calderón de la Barca, que es ejemplar, al mismo tiempo por su magistral carpintería teatral. Parece ser que Calderón escribió Casa con dos puertas mala es de guardar en 1629 poco tiempo después de La dama duende. Casa con dos puertas mala es de guardar es una comedia de enredos, donde los engaños deliberados, el ocultamiento de la verdad, el incumplimiento de promesa y la deslealtad contribuyen a crear una situación confusa, donde el hombre no sabe cómo actuar, o ni siquiera distinguir lo que es verdad o mentira.
La obra cuenta la historia de don Félix y su hermana Marcela. Don Félix está enamorado de Laura, la amiga de su hermana. Lisardo, amigo de don Félix, se hospeda en casa de este último y se enamora de una hermosa muchacha cuyo nombre desconoce. No sabe que en realidad se ha enamorado de Marcela, porque don Félix, queriendo ocultar su presencia a Lisardo, se empeña en que permanezca encerrada en una habitación durante el tiempo que dure la visita. Marcela no tiene ninguna dificultad en escapar siempre que lo desea, por lo que el plan de tenerla encerrada no hace más que aumentar la confusión. Aparte de esto, la casa de Laura tiene las dos puertas a que se refiere el título, y también aquí reina la confusión.
ROMANTICISMO
EL ESTUDIANTE DE SALAMANCA
Los protagonistas son doña Elvira y don Félix, el estudiante de Salamanca. La obra comienza con doña Elvira como el ideal del amor desde el punto de vista de Espronceda, pero no de don Félix. Al final doña Elvira acaba convirtiéndose en la imagen de la propia muerte. La protagonista es un ideal, un símbolo. Este poema representa la intención de romper con las barreras y los límites impuestos enfrentándose a Dios incluso. Es el estudiante de Salamanca el que hace frente Dios para pedirle cuentas y juzgarle.
El poema comienza con la descripción de Salamanca, de don Félix y de doña Elvira, en la segunda parte doña Elvira recibe una carta de don Félix. En la tercera parte don Félix juega una partida de dados y lo pierde todo, hasta el retrato de doña Elvira. Don Diego, que es el hermano de la protagonista, le reta por insultar a su hermana. En la última parte don Diego muere a manos del estudiante. Don Félix encuentra a una extraña mujer toda tapada a la que sin conocer, y con la que entabla conversación, sigue hasta un entierro, que es el suyo. Cada paso que avanza detrás de ella le acerca más a la muerte, pero el se muestra arrogante hasta el final, no da su brazo a torcer, se cree por encima de Dios y del diablo. Acaba, como es de esperar muriendo, aunque el final puede dar lugar a varias lecturas.
CANTO A TERESA
El canto tiene carácter extremamente personal e íntimo, y podemos identificar el "yo lírico" con el autor. Espronceda aquí llora su amor y éste amor perdido provoca reflexiones sobre la esencia del amor y su lugar en la vida.
Los primeros cuatro versos son una apóstrofe a los tristes recuerdos que ha dejado el amor en el corazón del poeta. Luego pasamos a una descripción de su juventud. Es una juventud llena de amor: “yo amaba todo”-confiesa el autor. El mundo era bueno y le parecía favorable, el sol iluminaba su alegría. Era orgulloso y audaz. Dotado del valor y de la fe del caballero, virtud del héroe y amor del trovador soñaba con glorias. Vivía con ingénuas ilusiones y esperanzas. Su amor era pura, inocente y espiritual, parecía un "dulce canto" que habitaba en su alma. El autor (José Espronceda) evoca el Edén como el lugar donde había nacido su sentimiento.
El canto expresa todas las ideas de Espronceda sobre el amor. Pone de manifiesto la triste convencimiento de que el verdadero amor es imposible de realizar. Amar es vivir con una ilusión: de ahí viene su tragedia, pero también la belleza el amor.
El "Canto a Teresa" es el grito de un desesperado por el fracaso del amor. Joaquín Casalduero lo compara a una "voz lanzada en el bosque, que pide socorro, una voz que nos llama sin decirnos donde está. Voz que hace presente el dolor, la miseria humana, y que nos da una dirección, no nos revela un sentido, pero se apodera de nuestro corazón. El náufrago siente la necesidad de lanzar un grito que quedará sonando para siempre en quien lo oiga." Espronceda haa senido la necesidad de lanzar tal grito y situarlo en el comienzo de su "El Diablo Mundo".
A BUEN JUEZ MEJOR TESTIGO
Obra romántica de José Zorrilla. En Toledo, una ciudad de España, vivía el noble don Iban De Vargas en compañía de su hermosa hija Isabel. El padre sorprende al joven Diego Martínez en el aposento de su hija. El ofendido don iban exige a diego que se case inmediatamente o que deje libre a su hija para que profese esta. Don Diego arguye que dentro de un mes partirá a Flandes, a la guerra, y que estará de vuelta al cabo de un año. Prometió a Inés casarse a su retorno.
Desconfiando ella le exige un juramento ante el Cristo de la Vega, al que los Toledanos le tienen gran devoción. Pasaron los días, los meses y pasaron tres años: Don Diego no retornaba, mientras tanto, tras de haber consumado inauditas hazañas de guerra, ascendió a capitán Don Diego. Y de vuelta a España, el Rey lo armó caballero. Don Iban e Inés, que maldicen su estrella, suplican a don diego que cumpla con su juramento. Pero el envanecido capitán niega haber prestado juramento alguno. Inés acude a la justicia.
Por entonces, el gobernador era Pedro Ruiz de Alarcón, hombre justiciero y valiente. “Cercenado tiene el brazo, mas entero el corazón”. El capitán Don Diego juró no haber prometido casarse con Inés. Esta entonces dice que testigo del juramento fue el cristo de la vega. La numerosa comitiva se dirigió al claustro. Ante el Cristo encendieron cuatro cirios y una lámpara.
Todos rezaron quedamente. Un notario, con el capitán a lado, al otro Inés, hizo la pregunta de ley al Cristo De La Vega: “¿juráis ser cierto que un día a vuestras divinas plantas juro a Inés, Don Diego Martínez por su mujer desposarla?”. Una mano vino a posar en los autos, en tanto que a los aires se escucho un “si juro”, con voz mas que humana. Con asombro vio la “turba medrosa” que la imagen tenia abiertos los labios y una mano desclavada. Inés se hizo monja y Diego fraile.
TRES FECHAS
Esta leyenda de Gustavo Adolfo Becquer está contada en primera persona, y el autor la cuenta como un hecho que le ha pasado a él. Bécquer viajó a Toledo en unos días libres en los que se iba a dedicar a contemplar la ciudad.
Un día paseando por una estrecha y deshabitada calle por la que pasaba varias veces al día se fijó en una ventana y vio una cortinilla que se movió. Se quedó mirándola un rato, pero no se volvió a mover. Volvió a pasar otros días y cada vez que pasaba la cortinilla se movía, y el se idealizó a una mujer, que era la que movía la cortinilla. Empezó a obsesionarse por su misteriosa mujer, hasta que tuvo que marcharse a Madrid, donde llegó a olvidarse de su obsesión, pero había apuntado la fecha del día último que estuvo en Toledo, el último día que vio el bulto detrás de las cortinillas. Esa era la primera fecha.
Un tiempo más tarde volvió a Toledo, buscando inspiración para dibujar. Un día encontró una plaza en la que había un convento que había sido una mezquita, un palacio de algún noble y seguro que algo más. Lo creyó perfecto para dibujar y se sentó en una piedra, y de repente desde una ventana vio una mano que le saludaba, una mano de mujer blanca, grácil. La mano desapareció y por mucho que esperó para verla no volvió. Ese mismo día volvió a Madrid, y apuntó la fecha de ese día. Esa era la segunda fecha.
Un año después volvió a Toledo, y quiere el destino, que un día llegó a la misma plaza en la que se hallaba el convento, en el que doblaban campanas y se oían ruidos dentro, ya que había una toma de hábito. Entró dentro y presenció el final de la ceremonia, donde le cortaban el pelo y le colocaban el hábito a la novicia, la cual se internaba en el claustro para siempre. Bécquer le preguntó a una anciana que lloraba quien era aquella mujer, y ésta le respondió que era una joven, hija de un conde que había quedado huérfana hace un año porque sus padres habían muerto de cólera. Él le preguntó que como se llamaba la calle donde vivía y cuando se lo dijeron se dio cuenta que era la misma calle en la que estaba la cortinilla que se movía. Ese día apuntó la tercera fecha.
EL GNOMO
Obra de Gustavo Adolfo Bécquer. En esta leyenda un grupo de muchachas, que volvían de la fuente de coger agua se encontraron con el Tío Greogorio, el más anciano del lugar, el cual les contó porque volvían tan tarde de la fuente. Ellas le pidieron que les contara una historia, y el le dijo que no debían volver tan tarde de la fuente, puesto que tendrían problemas. Dijo que además de lobos, por la noche en esa fuente iban los gnomos, unos malvados seres. Les contó que una vez un pastor perdido entró en una de las escondidas cuevas de los gnomos, y que estuvo a punto de morir por su codicia, puesto que la cueva estaba llena de las más inimaginables riquezas, pero que al final salió de la cueva sin coger nada, pero que murió poco tiempo después.
Las muchachas se fueron y ninguna le había creído, menos dos hermanas, Marta y Magdalena, las cuales eran huérfanas, y que se tenían un odio profundo que nunca había salido a la luz, puesto que eran muy diferentes. Al día siguiente las dos muchachas decidieron ir a la fuente cuando ya se había hecho de noche. A Marta le comenzó a hablar el agua, para que se fuera con ella, y a Magdalena le comenzó a hablar el viento. Al final les convencieron y se fueron cada una con uno. Al día siguiente apareció Magdalena, pálida, asustada, y a punto de morir, pero de Magdalena no se volvió a saber nada más, excepto que encontraron al día siguiente su jarro roto. Hay gente que dice que algunas noches se oye llorar a Marta, prisionera del agua en el fondo de la fuente. Desde entonces, todas las muchachas van a llenar sus jarros al amanecer, y vuelven prontísimo.
LA VENTA DE LOS GATOS
En esta historia habla el autor (Gustavo Adolfo Bécquer), de una historia que le pasó a él. Cuenta que un día paseando por Sevilla se fue al barrio de San Jerónimo y llegó a una venta llena de alegría, con mucha gente cantando y pasándoselo bien. Se tomó algo y mientras lo hacía dibujó a una chica, la que parecía llevar el mando del coro femenino. Cuando ya se iba a ir vino un chico, el que tocaba la guitarra y destacaba entre el grupo de chicos y le suplicó que le diera el retrato de su amada. Él lo hizo, y el chico le acompañó hasta las puertas de la ciudad y le contó sobre esa chica, que se llamaba Amparo y que llevaba viviendo con ellos desde pequeñita y que no sabían quienes eran sus padres. El autor se fue de Sevilla y volvió 10 años después.
Todo le pareció muy cambiado y fue a la venta en la que estuvo para ver como iban las cosas. Se la encontró muerta, sin nadie, vacía, falta de alegría. Entonces el ventero le estuvo contando que un día vinieron unos hombres preguntando por Amparo que resultó ser la hija de un rico. Se la llevaron, no sin mucho luchar, y desde entonces la desgracia cayó sobre ellos. El hijo del ventero la amaba e intentó verla, pero no le fue posible. Luego construyeron el cementerio aquí al lado, y fue todavía peor porque dejó de venir la gente. Un día vieron un cortejo funeral, que resultó ser el de Amparo, que no se había acostumbrado a vivir así, en la riqueza. Desde entonces el hijo del ventero se volvió loco y está todo el día encerrado en su cuarto viendo el retrato de su amada.REALISMO
LA GAVIOTA
Con su obra La Gaviota , Fernán Caballero (seudónimo de Cecilia Böhl von Faber ) se consagra como la precursora del movimiento literario más importante del siglo xix en España: el realismo. Sus novelas han sido la base de esa tendencia en la que los autores describen la sociedad, la gente y sus costumbres. La virtud más destacable de sus novelas es la movilidad de los personajes, los cuadros de costumbres y la creación de una atmósfera narrativa, que hace muy amena la lectura, por sus tramas ligeras e intencionadamente ingenuas. Siguiendo a La Gaviota aparecieron muchas novelas e historias cortas en las que describe los tipos y costumbres de las diferentes clases de la sociedad española. Fernán Caballero publica La Gaviota con el subtítulo de "novela original de costumbres españolas", y se presenta al público más que como escritora que inventa, como simple recopiladora. En todos sus escritos tendrá siempre mucho interés en afirmar que hace relaciones de hechos ciertos, de sucesos exactos y reales, de historias verídicas.
Si consideramos la obra de Fernán Caballero en conjunto, observaremos que hay algo común en toda ella: el interés por el costumbrismo como una manifestación folklórica que, a su vez, es un aspecto de la realidad. (...)Así como los Grimm son los padres del folklore alemán, y podríamos decir que universal, a Fernán Caballero le cabe la gloria de ser la matriarca del folklore español. (...) Esto explica que La Gaviota sea un mosaico -palabra de que gustaba Fernán- de cuentos, chascarrillos, coplas, tradiciones, relaciones, versos, romances, juegos, bailes, oraciones, anécdotas, chistes, cuentecillos, cuchuflestas, chilindrinas, modismos, refranes, recopilados por la autora, y que fue entremetiendo a lo largo de la narración.
MARIANELA
«Marianela» (1878) pertenece a lo que Benito Pérez Galdós, su autor, llamó Novelas de la Primera época (que comprenden obras como «Doña Perfecta» y «Gloria»). Partiendo de un caso extraído de un tratado de Psicología (la recuperación de la visión en un ciego congénito), Galdós creó una de sus novelas más famosas. La vida trágica de la muchacha Nela, fea y deforme, enamorada del ciego Pablo a quien sirve de lazarillo, es el hilo conductor sobre el que se entrelazan tres temas: la ceguera y su posible cura, la relación sentimental y la situación socioeconómica. La maestría del escritor canario se demuestra en la articulación narrativa de las oposiciones principales: belleza física y belleza moral; industria y agricultura, el hoy y el ayer; cultura y naturaleza. La relación del ciego con su lazarillo ha quedado como una de las más bellas surgidas de la pluma de Galdós.
Marianela es una joven de 16 años, hija de una vendedora ambulante y un farolero, pero es huérfana. Al suicidarse su madre, es recogida por Centero, un capataz de ganado. A los 16 años sirve de lazarillo a Pablo Penáguilas, un joven adinerado, ciego de nacimiento. Marianela, aunque fea por fuera, posee un alma hermosa y una gran riqueza espiritual que consigue enamorar a Pablo, y ella se enamora de él. Un día Pablo conoce a Teodoro Golfín, un oftalmólogo que le promete, mediante una operación, recobrar la vista. Y así sucedió. Pero este hecho produce a Marianela su desgracia. No quiere que Pablo la vea, con su cuerpo raquítico y su rostro surcado por las penas que ha vivido. A su desgracia se le suma la llegada de Florentina, prima de Pablo, que desborda hermosura. En el momento en que Marianela se iba a arrojar a la sima de la Travasca, donde había muerto su madre, el oculista logra que regrese a la casa para que su amado la vea. Después de recobrarse de un desmayo, Marianela se encuentra ante la presencia de Pablo y muere de vergüenza, y quizás también de celos (unos minutos antes Pablo le había pedido la mano a Florentina).
Los temas que se tratan en esta obra son: La ceguera de Pablo, las relaciones de amor, la sociedad de la época( y crítica hacia ella) y su forma de vida, las clases sociales, la belleza interior, la belleza exterior…Esta obra es muy rica en contenidos: vocabulario, recursos estilísticos.
MADRE NATURALEZA
La madre naturaleza es, como se sabe la continuación de Los Pazos de Ulloa. En el tiempo de su aparición. la crítica discutió el valor de la obra desde un punto de vista comparativo. Fue inevitable compararla con la primera parte y no faltaron quienes recordaran el famoso dicho para preferirla. No desmerece nada. sin embargo. y lo cierto es que ambas novelas corresponden a la misma etapa creadora de pardo Bazán y están en un mismo nivel estético. La madre naturaleza viene a resolver lo que se plantea en Los Pazos de Ulloa. En la primera novela se describen el ambiente y los caracteres. se plantea el origen de la tragedia y se apuntan los motivos que conducen a la segunda; en ésta culmina el desenlace y se le da una solución que revela. hasta cierto punto. la opinión de la autora respecto del problema propuesto. Los Pazos de Ulloa es quizá más rica en elementos objetivos. tales como la pintura del paisaje. de la particular atmósfera de la montaña gallega y de los personajes vistos en relación con su medio natural. Es también más rica en cuanto a los aspectos sociales. tan importantes en la novela realista. La madre naturaleza, por su parte. concentra el interés en lo esencial del asunto, el inocente y fatalmente determinado incesto de Perucho y Manolita, pretende profundizar los rasgos psicológicos y a través de Gabriel Pardo expresa lo que podría llamarse filosofía de la escritora acerca de los sucesos que narra. Este personaje parece ser la conciencia crítica, ya la vez objetiva, por más involucrado que se vea en la intriga novelesca de los dos jóvenes protagonistas, de la situación dramática que se ha presentado en la huronera del marqués de Ulloa. En las reflexiones que hace sobre el difícil papel que se ve obligado a representar, se encuentran gran parte de las ideas ilustradas de Pardo Bazán, y en las que se mezclan positivismo y cristianismo. El resultado se diluye en una melancolía un tanto fatalista que es característica de la autora y que permite varias interpretaciones por parte de los lectores acerca de su posición final ante este difícil problema de destino.
PLATERO Y YO
Juan Ramón Jiménez
Las historias son reflexiones sobre la vida, enfermedad, muerte y la vida feliz de Platero y Yo.
En principio tenemos a dos personajes El -yo- (narrador) que es la persona que tiene aventuras junto con Platero que es su burro y mejor compañero. Describe a él Yo como una persona que tiene una barba nazarena y un sombrero. Él vive todas sus aventuras con Platero.
Durante toda la obra nos cuenta bastantes anécdotas alrededor de un año. Nos cuenta que cuando va paseando con Platero los niños le gritan Loco pero sabe que todos quieren a Platero. Nos cuenta que los niños pasean encima de Platero y siempre el los asusta de manera que hiciera como que va a empezar a galopar y solo está jugando, nos dice como hay una niña que adora a Platero y siempre está pendiente de él. Nos habla del doctor, yo diría veterinario de Platero
El narrador le cuenta todo a Platero, desde lo que hace a diario como sus más profundos sentimientos, en el libro utiliza bastante descripción acerca de todo lo que ven platero y el narrador, plasma en forma escrita todo lo que piensa y se imagina. Da una descripción muy detallada acerca del paso del tiempo y de las estaciones, como se ve cuando hay tormenta y que hacen mientras pasa. Nos habla del carnaval y de cómo Platero y el no se hayan en el carnaval. Nos cuenta como se hacen pasar Platero y El por Reyes Magos y los niños duermen felices al verlos.
También me da mucha tristeza porque habla de varios personajes que de una manera u otra influyeron en la realización de este libro, habla del Perro con sarna, del Pájaro que canta, de las golondrinas, de la Novia de Platero, de una Perra que siempre juega con el, de un niño tonto.
Nos habla también de cómo fueron apagándose las vidas de cada uno de estos
El final fue lo único que no me gusto ya que tiene un final muy triste porque muere Platero y el narrador se queda solo y pues extraña mucho la compañía de su fiel Platero, nos dice cómo y dónde enterraron a Platero tal y como lo había descrito mucho antes el mismo narrador, espera que Platero este feliz en el cielo de los animales si es que existe y que nunca lo olvide.
TIRANO BANDERAS
RAMON DEL VALLE
Filomeno Cuevas, criollo ranchero, arma a sus peonadas y las organiza para luchar contra Santos Banderas, Presidente de la República de Tierra Firme. La insurrección de los criollos se debe al descontento existente en el pueblo contra el gobierno de Tirano Banderas. En la revolución participan: los indios, algunos criollos, un grupo de intelectuales y algunos militares, entre ellos el Coronel Domiciano de la Gándara, compadre de Santos Banderas.
Filomeno prepara la revolución basándose en la sorpresa que supone para Tirano este hecho, y la suerte, porque defienden una causa justa: la libertad total del indio.
A Santos Banderas le apoya la colonia Española, que ve lesionados sus intereses económicos en esta Revolución. Esto contribuye a aumentar el desprestigio de España en Santa Fe de Tierra Firme. El Cuerpo Diplomático acreditado en la República ve con malos ojos la tiranía que se ejerce en Tierra Firme, pero no desea perder sus intereses en la República, por lo que presiona insuficientemente a Santos Banderas para que cese la tiranía y sus consecuencias. Santos Banderas, la Colonia Española y el Cuerpo Diplomático persigue cada uno sus propios intereses y se apoyan o atacan según les convenga en cada caso. Mutuamente desean influir unos sobre otros sin demostrarlo demasiado.
El Coronel Domiciano de la Gándara es aficionado a la bebida. En una de sus frecuentes borracheras rompe vasos y utensilios en un quiosco donde también acude Tirano a jugar a la rana. La dueña denuncia al Coronel de la Gándara y Tirano Banderas manda buscarle para que sea sentenciado. Esta sentencia la realiza Santos Banderas delante de todos sus seguidores en el quiosco. El licenciado Nacho Veguillas es uno de los confidentes de Santos Banderas. En un rato libre acude a un lenocinio en el que también se encuentra a Lupita la Romántica y al Coronel de la Gándara. Lupita la Romántica ha sido hipnotizada y utilizada como medium por el Doctor Polaco. Por efectos de la hipnosis descubre la sentencia contra el Coronel de la Gándara sin que Nacho Veguillas diga nada. Lupita comunica a Domiciano de la Gándara la sentencia que pesa sobre él y éste huye. Se pasa al campo enemigo; Zacarías le conduce hasta el rancho de Filomeno Cuevas. Este hecho da lugar a una serie de injusticias y muertes.
Al huir Domiciano entra violentamente en la habitación de un estudiante, salta por la ventana de éste para escapar de la policía de Santos Banderas. El estudiante es conducido por esto a la prisión de Santa Mónica acusado de complicidad con el Coronel de la Gándara. Después de escapar de la habitación del estudiante, el Coronel de la Gándara se dirige a casa de Zacarías y le convence para que le conduzca al campo de insurrectos; éste no le lleva hacía la sierra donde tienen el cuartel los militares sublevados, sino al rancho de Filomeno Cuevas. La policía acude a casa de Zacarías para apresarle por ayudar al coronel; al no encontrarle detienen a su mujer, una india muy joven, y dejan al hijo de ésta abandonado en la casa. Cuando Zacarías vuelve no encuentra a la india y descubre al niño muerto devorado por los puercos. Jura vengarse. Averigua que ha sido descubierto por Quintín Pereda un prestamista español que extorsiona a los indios. Le va a buscar a su tienda y le mata violentamente, le arrastra después de muerto detrás de su caballo, y con los restos del hijo muerto se presenta en el rancho de Filomeno para unirse a la insurrección.
Todavía hay otra injusticia relacionada con el paso al enemigo de Domiciano de la Gándara. Las sospechas de haberle comunicado la sentencia y haberle dejado escapar recaen sobre Nacho Veguillas, quien es conducido a prisión en Santa Mónica. Allí se encuentra encarcelado el jefe de la oposición D. Roque Cepeda, un personaje grandioso dentro de la novela. Tirano Banderas para evitar enemigos y congraciarse con el Cuerpo Diplomático acude a la prisión de Santa Mónica, da orden de libertar a Don Roque Cepeda, le llama posteriormente a su residencia y concierta con él una tregua. Don Roque, aunque no confía en Tirano Banderas acepta y hace creer a Tirano que lo ha convencido. En la cárcel, un indio que ha sido hecho prisionero en la batalla de Zamalpoa, relata a los demás presos la crueldad de Tirano en aquella zona.
Entretanto ha llegado el día marcado por Filomeno para atacar por sorpresa el cuartel general de Tirano Banderas. Son las fiestas de Santa Fe de Tierra Firme. Los peones de Filomeno y de otros rancheros criollos irrumpen por las calles y casetas de la feria, alborotando, incendian un convento —sin hacer daño a nadie, esas eran las ordenes de Filomeno, y habiendo hecho salir previamente a todas las monjas, atacan la cárcel y arman a los presos y todos juntos y por sorpresa caen sobre el cuartel de Santos Banderas. El Tirano es abandonado por todos sus colaboradores. Al verse acorralado y perdido, mata a su hija Manolita, que es demente, para que no sea baldonada por sus enemigos; se asoma a una ventana de su cuartel y es acribillado a balazos. Su cabeza es expuesta en la Plaza y su cuerpo repartido por los cuatro puntos cardinales del país.
LUCES DE BOHEMIA
RAMÓN DEL VALLE
El tema principal es la bohemia y su estilo de vida. Apoyándose argumentalmente en el relato de la muerte de Máximo Estrella, el autor nos presenta las partes heroica y triste de la bohemia.
En Luces de Bohemia, se reflejan todos los elementos de la mitología bohemia literaria. Hasta el punto que determinadas escenas no tienen importancia alguna para el desarrollo de la historia y tienen como misión la de informar sobre este estilo de vida.
Otros temas son: la lucha del proletariado, huelga del proletariado; la detención y muerte del “paria” catalán, los temores confesados por el anarquista se confirman más tarde. Es fusilado pero la gente cree que ha sido por intentarse escapar.
En esta obra se desarrolla la historia de las Últimas horas de la vida del poeta ciego Máximo Estrella. Horas que transcurren en un vagabundeo por la noche madrileña, al final de la cual, el poeta acabará muriendo miserablemente, en la calle, a la puerta de su propia casa, tras haber “visto” su muerte minutos antes.
Desaparecido Máximo estrella, la acción continua a través de: su velatorio; una conversación entre el marqués de Bradomín y Rubén Darío, amigos de Máximo; y una escena en la taberna de Pica Lagartos; en la que se da a entender que Madam Collet y Claudinita, familia de Max, se han suicidado; suicidio que había propuesto Max en la primera escena para solucionar los problemas económicos.
Pero hay que destacar los argumentos que surgen paralelos al principal, como son: el de la huelga, presente en toda la obra a través de ruidos, voces, y, sobre todo, en la escena undécima, en la que una mujer sostiene a su hijo muerto en brazos, producto de la represión policial por motivo de la huelga; y el de la muerte del compañero de cárcel de Max, uno de los momentos más dramáticos de la obra.
LA BUSCA
Pío Baroja
Manuel es un muchacho que vino a Madrid desde un pueblo de Soria en el que se encontraba con el hermano de su madre. Sin saber por qué, le mandan para esta ciudad y está un tiempo con su madre, la sirvienta de una casa de huéspedes, hasta que se ve envuelto en un pelea en la casa, y la dueña del lugar le echa. Entonces, Manuel se va a vivir a casa de su tío Ignacio, y allí intima primero con Vidal (su hijo), y más tarde con Leandro, el cual, por un desengaño amoroso, se suicida, lo que produce que su padre caiga en una terrible enfermedad, y Manuel se vea obligado a abandonar la casa. Entonces pasó a trabajar a una tahona, y, a causa de la explotación que ejercía el dueño sobre él, cayó enfermo, y volvió a la casa donde trabajaba su madre. Cuando se recuperó, Manuel quiso intimar con la sobrina de la dueña de la casa de huéspedes, y ésta, ofendida, le echa otra vez a la calle. Entonces, Manuel pasa vagabundeando por las calles de Madrid algún tiempo, hasta que su madre sufre una grave enfermedad pulmonar, y finalmente muere. Manuel se ve obligado a convertirse en un ladrón también, y pasa algún tiempo con Vidal y con el Bizco, pero al final dejan de verse. Un día, mientras Manuel dormía en la calle, un hombre le ofreció trabajo en su casa, y el muchacho aceptó. La hija de este hombre enamora por completo a Manuel, pero, al ver que estaba saliendo con otra persona, sufre mucho, y tras un tiempo de pensárselo mucho, termina abandonando la casa del señor Custodio, que así se llamaba el hombre en cuestión, y termina de mendigo de nuevo por las calles de Madrid. Desde que Manuel deja la casa de huéspedes por primera vez, se empieza a codear con gente de la peor clase social de Madrid, lo cual invita a que Roberto, un estudiante de la casa de huéspedes, intime mucho con él, ya que estaba esperando una gran fortuna que se la podría proporcionar, en un principio, una mendigaPROHIBIDO SUICIDARSE EN PRIMAVERA
ALEJANDRO CASONA
La acción transcurre en "El Hogar del Suicida" Sanatorio de almas creado por el Doctor Ariel quien desciende de una familia en la que los hombres se suicidaban en la plenitud de su vida, cuando comenzaban a perder la juventud, el Doctor creció obsesionado por este hecho y dedicó su vida a investigar a los suicidas (descubriendo algunos hechos curiosos como que los triunfadores se matan más que los fracasados, los jóvenes más que los viejos, los suicidios ocurren más al amanecer que de noche y en la primavera más que en el invierno) y retirándose a un lugar en las montañas al acercarse a la edad en que sus familiares se habían suicidado, donde fallece de muerte noble y serena a la edad de setenta años.
Es en este lugar donde se construye el hogar del suicida cuyo fin precisamente es el de evitar suicidios, a cargo del Doctor Roda, quien fue alumno del Doctor Ariel, en este peculiar sanatorio se encuentran algunas almas sin esperanza que quieren quitarse la vida (sin atreverse realmente a hacerlo) y llegan a este lugar pensando que allí les será más fácil morir, al inicio de la obra se encuentran 8 personas por desengaños de amor, 2 por Pelagra, 4 vidas sin rumbo y algunas por catástrofe económica o cocaína, pero se habla especialmente de tres personas: "El Amante Imaginario"(quién huye de una pena de amor y es un ex-empleado de banca que imagina ser el amante de Cora Yako cantante de ópera muy famosa), "El Profesor de Filosofía" (solamente es mencionado, nunca aparece físicamente y siente preferencia por el agua, aunque a última hora sale nadando) y "La Dama Triste" (quién dice estar desilusionada de todo lo material), y una persona muy especial: Hans, quién es el ayudante del Doctor Roda y alguien espiritualmente más muerto que los mismos pacientes; a este lugar van llegando sucesivamente nuevos personajes, primero Alicia (cuya existencia ha sido bastante humilde y que huye principalmente de la soledad y a quien se le ofrece el puesto de enfermera al ver que ya no desea matarse porque la muerte es la soledad absoluta), después aparecen Fernando y Chole, (dos enamorados que se pierden porque el dejo que ella manejara, así que son las únicas dos personas felices que se encuentran allí), estos dos últimos son reporteros de un periódico sensacionalista, por lo que ven su estancia allí como la oportunidad de un gran reportaje, aunque después de platicar con el Doctor Roda deciden no escribirlo, antes de terminar el primer acto aparece un nuevo personaje: Juan (quien es el hermano de Fernando y ha crecido a su sombra, pero el principal conflicto es que Juan ama en silencio a Chole y desea suicidarse para no acabar matando a su hermano). En el segundo acto aparece otra persona desesperada: El Padre de la Otra Alicia, (un médico que tenía una hija paralitica llamada Alicia y que al sentirse morir, para no dejarla sola decidió matarla y al descubrir que esta curándose desea que lo maten, pero recupera las ganas de vivir al ver el gran parecido físico de Alicia con su hija), el último de los personajes que se agregan es Cora Yako (cantante de ópera, quien solo busca hacerse publicidad y es el amor imposible del Amante Imaginario), Cora Yako y el amante imaginario se conocen, Chole y Juan hablan, al descubrir que ella es lo que divide a los dos hermanos Chole decide suicidarse tirándose al lago, Juan la ve y la rescata, pero ella cree que Fernando fue quien la rescato, En el tercer y último acto el sanatorio comienza a ser remodelado (antes tenía un aire un tanto triste), Cora Yako y el Amante Imaginario inician una relación que muere cuando ella le propone recorrer el mundo a expensas de un "caballo blanco" (el viejo que paga) Cora Yako se marcha sola a recorrer el mundo, y El Amante Imaginario acepta un puesto en el periódico donde trabaja Fernando narrando sus aventuras imaginarias con Cora Yako; El Doctor de Filosofía y La Dama Triste se enamoran, se van a casar y a pasar su luna de miel a Suiza, esto le da algunas esperanzas a Hans quien a su vez se va a trabajar a un Hospital con una tasa de mortalidad bastante alta; Chole, Fernando y Juan se enfrentan finalmente, Chole ofrece casarse con Juan, pero este le da las gracias y no acepta, cuando ellos se van, Juan coge una pistola (con la que había intentado suicidarse cuando llego), pero en ese momento aparece Alicia con un cartel que dice "Prohibido suicidarse en primavera", le pide la pistola y se va para tirarla al lago acompañada de Juan.
ELOÍSA ESTÁ DEBAJO DE UN ALMENDRO.
Enrique Jardiel Poncela
Género: Teatro
La obra narra las peripecias de Fernando y su prometida, Mariana, así como sus respectivas familias que se ven envueltos en el misterio de la desaparición, años atrás, de Eloísa, una mujer que tenía un sospechoso parecido físico con Mariana. La obra se divide en tres partes: prólogo, acto primero y acto segundo. En el prólogo se hace una introducción a la obra, al carácter de los personajes y a las diferencias que hay entre el pueblo y la gente rica. Aparecen una serie de espectadores en un cine de barrio, en espera de que empiece la sesión, y dos señoras que son curiosas por el público porque por allí no se ve a gente vestida de esa grandeza. Estas dos resultan ser tía (Clotilde) y sobrina (Mariana) de la familia de los Briones que vienen de un concierto huyendo, por parte de Mariana, de Fernando, su novio. Él es un chico misterioso que oculta algo sospechoso, lo que le vuelve loca a Mariana. A lo largo del prólogo Fernando anda detrás de Mariana, para llevarla a su finca, que huye de él por no comportarse, en ocasiones, como el chico misterioso que a ella le gusta En el primer acto aparece la casa de los Briones. En la que se haya Fermín, enseñando sus labores a Leoncio, el nuevo y sustituto criado de la familia. Edgardo, que lleva veintiún años acostado en la cama sin levantarse para nada por un mal de amores, emprende un viaje, en la cama, a San Sebastián con la ayuda de Fermín. Micaela esta empeñada en que esa noche vendrán ladrones a la casa por lo que hace guardia con sus dos perros. Fernando, que había seguido a Mariana durante su última escapada, intenta convencerla, con éxito, de que se vaya con él a su finca. Mientras tanto Clotilde se haya charlando con Ezequiel, el tío de Fernando, en el salón que por casualidad ésta encuentra un cuaderno donde Ezequiel confiesa sus asesinatos de gatos confundidos por Clotilde por mujeres. Alarmada ordena a los criados que no dejen salir a Mariana de la casa, pero ya es demasiado tarde por lo que Clotilde va a buscarla. En el segundo acto aparece la casa de los Ojeda. Llegan, Fernando con Mariana en brazos, adormilada, a la que deja en un sofá hasta que se despierta. Comienzan a hablar sobre la muerte del padre y de la madre de Fernando que éste le muestra un traje a Mariana que está escuchando con intensidad y asombro. De cuando en cuando se abre, silenciosamente, la puerta de un armario que observa detenidamente Mariana pero se cierra tan rápido que Fernando no lo puede ver. Cuando Mariana se queda sola aparece su hermana Julia del armario que lleva tres años desaparecida. Entonces Mariana empieza a sospechar de Fernando y pregunta al criado si, en la pared, había antes una alacena porque ella reconocía la casa desde el primer momento en que entró. Empiezan a investigar y en efecto allí había una alacena tapada por el papel de las paredes en la que había una manga del vestido que le había mostrado Fernando, unos zapatos y un cuchillo manchados de sangre. En esto llegan su tía Clotilde y Fermín. Clotilde y Mariana empiezan a hablar sobre lo que ocurre en la casa y acuerdan en que Mariana se viste con el traje que Fernando la había dado, la manga que faltaba y los zapatos y así verían la reacción de Fernando. Clotilde ve a Julia que le cuenta que está casada con un policía que reside en la casa. Por esto y para resolver el caso Clotilde manda a Leoncio, el nuevo criado, a que traiga los perros de Micaela. Trae a los perros y a Micaela y Edgardo consigo. Antes de ponerse a investigar, cuando están todos reunidos en el salón baja Mariana con el traje por lo que todos se quedan asombrados y Micaela empieza a gritar el nombre de la madre de Julia y Mariana, Eloísa. Ella era la que había matado a Eloísa y la había enterrado en el jardín de los Ojeda debajo de los almendros. Los perros y los gatos se habían liado a mordiscos y araños por lo que Clotilde se da cuenta de que lo que mata Ezequiel no son mujeres sino gatos. El marido de Julia recluye a Micaela.
ELOÍSA ESTÁ DEBAJO DE UN ALMENDRO.
Enrique Jardiel Poncela
Género: Teatro
La obra narra las peripecias de Fernando y su prometida, Mariana, así como sus respectivas familias que se ven envueltos en el misterio de la desaparición, años atrás, de Eloísa, una mujer que tenía un sospechoso parecido físico con Mariana. La obra se divide en tres partes: prólogo, acto primero y acto segundo. En el prólogo se hace una introducción a la obra, al carácter de los personajes y a las diferencias que hay entre el pueblo y la gente rica. Aparecen una serie de espectadores en un cine de barrio, en espera de que empiece la sesión, y dos señoras que son curiosas por el público porque por allí no se ve a gente vestida de esa grandeza. Estas dos resultan ser tía (Clotilde) y sobrina (Mariana) de la familia de los Briones que vienen de un concierto huyendo, por parte de Mariana, de Fernando, su novio. Él es un chico misterioso que oculta algo sospechoso, lo que le vuelve loca a Mariana. A lo largo del prólogo Fernando anda detrás de Mariana, para llevarla a su finca, que huye de él por no comportarse, en ocasiones, como el chico misterioso que a ella le gusta En el primer acto aparece la casa de los Briones. En la que se haya Fermín, enseñando sus labores a Leoncio, el nuevo y sustituto criado de la familia. Edgardo, que lleva veintiún años acostado en la cama sin levantarse para nada por un mal de amores, emprende un viaje, en la cama, a San Sebastián con la ayuda de Fermín. Micaela esta empeñada en que esa noche vendrán ladrones a la casa por lo que hace guardia con sus dos perros. Fernando, que había seguido a Mariana durante su última escapada, intenta convencerla, con éxito, de que se vaya con él a su finca. Mientras tanto Clotilde se haya charlando con Ezequiel, el tío de Fernando, en el salón que por casualidad ésta encuentra un cuaderno donde Ezequiel confiesa sus asesinatos de gatos confundidos por Clotilde por mujeres. Alarmada ordena a los criados que no dejen salir a Mariana de la casa, pero ya es demasiado tarde por lo que Clotilde va a buscarla. En el segundo acto aparece la casa de los Ojeda. Llegan, Fernando con Mariana en brazos, adormilada, a la que deja en un sofá hasta que se despierta. Comienzan a hablar sobre la muerte del padre y de la madre de Fernando que éste le muestra un traje a Mariana que está escuchando con intensidad y asombro. De cuando en cuando se abre, silenciosamente, la puerta de un armario que observa detenidamente Mariana pero se cierra tan rápido que Fernando no lo puede ver. Cuando Mariana se queda sola aparece su hermana Julia del armario que lleva tres años desaparecida. Entonces Mariana empieza a sospechar de Fernando y pregunta al criado si, en la pared, había antes una alacena porque ella reconocía la casa desde el primer momento en que entró. Empiezan a investigar y en efecto allí había una alacena tapada por el papel de las paredes en la que había una manga del vestido que le había mostrado Fernando, unos zapatos y un cuchillo manchados de sangre. En esto llegan su tía Clotilde y Fermín. Clotilde y Mariana empiezan a hablar sobre lo que ocurre en la casa y acuerdan en que Mariana se viste con el traje que Fernando la había dado, la manga que faltaba y los zapatos y así verían la reacción de Fernando. Clotilde ve a Julia que le cuenta que está casada con un policía que reside en la casa. Por esto y para resolver el caso Clotilde manda a Leoncio, el nuevo criado, a que traiga los perros de Micaela. Trae a los perros y a Micaela y Edgardo consigo. Antes de ponerse a investigar, cuando están todos reunidos en el salón baja Mariana con el traje por lo que todos se quedan asombrados y Micaela empieza a gritar el nombre de la madre de Julia y Mariana, Eloísa. Ella era la que había matado a Eloísa y la había enterrado en el jardín de los Ojeda debajo de los almendros. Los perros y los gatos se habían liado a mordiscos y araños por lo que Clotilde se da cuenta de que lo que mata Ezequiel no son mujeres sino gatos. El marido de Julia recluye a Micaela.
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